Развернуть меню

Ваша корзина
пока пуста

Оформить заказ

Развернуть каталог

развернуть левое меню

Новый Взгляд — Дизайн и Архитектура Британии 60-х


Исследуя Британию 60-х, мы чаще всего рассказываем о субкультурах и обо всем, что с ними связано. Между тем, эпитет «Свингующая», которым столь ёмко промаркирована та выдающаяся эпоха, имеет гораздо более широкий контекст. Десятилетие послевоенного экономического подъема сказалось на жизни подданных Её Величества: в больших городах росли здания невиданной прежде архитектуры, традиционные предметы быта обрели новые формы, а магазины, где их можно было купить, преобразились до неузнаваемости. Спустя полвека оказывается, что смотреть на Шестидесятые сквозь призму дизайна и архитектуры так же интересно, как рассматривать это время с позиций музыки, моды или кино. 

 
     
   

Дизайн интерьеров

Традиционно аскетичная обстановка британских домов в Шестидесятые была надолго вытеснена новыми течениями – чопорность и строгость заменил новый стиль, корни которого уходили и в набирающий популярность поп-арт, и в ар-нуво, и даже в русский авангард двадцатых. Как джаз или соул, ключевые элементы новых тенденций пришли в Англию из США, за что стоит благодарить уже ставшего к тому времени мировой знаменитостью Энди Уорхола. Его банки супа и портреты Мэрилин Монро в один момент сошли с манхэттенских картин на обои, ковры и шторы в лондонских Челси или Ноттинг-Хилле.

Настенный коллаж из знаменитых рисунков Энди Уорхола с изображением американской актрисы Мэрлин Монро — иконы и секс-символа 60-х | Источник фото

Культовая работа Энди Уорхола — супы быстрого приготовления Campbell's Soup 

Стены квартир в модных районах Лондона, как правило, украшали рисунки Дэвида Хокни: задолго до обретения статуса самого влиятельного британского художника послевоенного периода яркие идеи уроженца графства Йоркшир нашли признание в дизайне интерьеров. 

«Артистические приспособления», Дэвид Хокни, 1965 | Источник фото

«Большой всплеск» — калифорнийская работа Дэвида Хокни, 1967 | Источник фото

Вдохновленный «Большим всплеском» интерьер лондонской гостиной конца 60-х | Источник фото

Если Уорхол и Хокни работали с яркими оттенками, то произведения другого законодателя стиля того времени, лондонской художницы Бриджет Райли, значительно от них отличались. Райли экспериментировала с оп-артом – искусством, использующим многообразие оптических иллюзий, а именно, с одним из его главных направлений – геометрической абстракцией, опирающейся на особенности восприятия плоских и пространственных фигур. Наиболее известные работы Райли – орнаменты с повторяющимися волнистыми линиями или черно-белыми квадратами, что отлично вписывалось в новые тенденции и визуально расширяло пространство.

Оптические узоры Бриджет Райли, оказавшие большое влияние на дизайн интерьеров 60-х | Источник фото

Черно-белый геометрический декор в духе Бриджет Райли | Источник фото

Колоритная английская спальня, декорированная по мотивам творчества Бриджет Райли, 1967 | Источник фото

Важным орнаментом стал и Flower print – цветочный узор, отсылающий к субкультуре хиппи и сопутствующей ей атмосфере свободы и психоделики. Однако этим вклад «детей-цветов» в мир дизайна не ограничился: хиппи также привнесли в новомодную обстановку восточные нотки в виде ковров из Индии или Марокко, куда тысячи просветленных молодых людей с туманного Альбиона отправлялись на поиски истины. Впрочем, многие из них, подобно своим кумирам из The Beatles, быстро разочаровывались в учителях и возвращались домой, прихватив множество местных артефактов. Причудливые узоры с многовековой историей достойно уравновешивали модернистские интерьеры Лондона, Брайтона, Ливерпуля и других городов по всей стране. 

Цветочный ковер в типичном британском интерьере 60-х | Источник фото

Space Age Kitchen – необычная комбинация космической стилистики и цветочного декора, 1969 | Источник фото

С востока прибыл и другой культовый принт – paisley (пейсли), или «турецкий огурец». Прижившийся в Италии в качестве рисунка на галстуках и рубашках, в Англии он нередко использовался при производстве обоев, ковров и домашнего текстиля.

Знаменитый Paisley орнамент в классическом английском ретро интерьере 

Обои были важны для создания фона, что касается прочих деталей интерьера, центральными предметами в дизайне нового времени стали стулья — в то десятилетие они претерпели столько изменений, сколько не случалось ни до, ни после. Большинство из существующих сегодня моделей стульев были созданы с нуля или полностью переосмыслены именно тогда. Произошло это по нескольким причинам. Во-первых, наступила эпоха освоения космоса: футуристические сюжеты стали невероятно популярными и в литературе, и в кино (только «Барбарелла» Роже Вадима и «Космическая Одиссея 2001» Стэнли Кубрика чего стоят), и, конечно, в дизайне — некоторые стулья, за характерную форму получившие названия egg chairs, напоминали не предметы домашнего обихода, а кресла звездолета. Во-вторых, появились синтетические материалы, составившие конкуренцию старому доброму дереву, — полипропилен и ПВХ.

Egg Chair by Arne Jacobsen | Источник фото

С названием «полипропилен» связан не только сам материал, но и ставший культовым Polyprop, — стул, разработанный в 1962 году британцем Робином Дэем. На создание простой и недорогой модели из пластика дизайнера вдохновили увиденные им сиденья в каноэ во время путешествия по африканской Ботсване. Выполненный из легкого полипропилена, стул издавался в самых разных версиях: домашней, офисной, детской и стал классикой британского дизайна, удостоившись чести быть изображенным даже на почтовой марке.

Футуристическая гостиная образца 1969 года | Источник фото

В целом, стиль 60-х в британском интерьере характеризует оптимистичный, жизнерадостный взгляд на мир. Ему свойственны яркие цвета, разнообразные сочетания материалов и поверхностей, оригинальная форма предметов. Геометрия прослеживается во всем: в форме мебели, настенных покрытиях, аксессуарах.

Космическая и комиксовая тематики в британском интерьере 60-х | Источник фото

Pop Art интерьер загородного дома под Лондоном, 1960-е | Источник фото

«We All Live in a Yellow Submarine» — невероятная ванная по мотивам песни The Beatles | Источник фото 
 
  
 
 

Архитектура

Если модная внутренняя обстановка в Шестидесятые отталкивалась пусть от новых, но обязательно изящных форм, в архитектуре всё было с точностью до наоборот. В послевоенное время в моду вошел модернизм, а особенно, одно из его направлений – брутализм. Термин произошел от французского «béton brut» – «голого бетона» как основы построенных в этом стиле зданий. 
 
Центром европейского брутализма стал лондонский район Barbican. После войны этот квартал в самом центре Сити был почти полностью разрушен, к тому же растущий город испытывал острую потребность в новой недвижимости. Тогда же и было принято решение возвести здесь комплекс, включающий в себя не только жилые дома, но и всю необходимую инфраструктуру для его обитателей: от магазинов до центров бытового обслуживания и культурных заведений. 

Жилой микрорайон Барбикан, Лондон | Источник фото

Внутренняя территория Barbican, Лондон | Источник фото

Подобная идея «города в городе» не стала новой: впервые она была опробована в молодой советской России в эпоху расцвета конструктивизма и авангарда (1920-30-е годы), но потерпела крах. Создатели Barbican вдохновлялись опытом француза Ле Корбюзье, идеолога концепции «Жилой единицы», реализованной им в жилом комплексе в Марселе. Лондонский квартал на территории в 40 акров должен был продемонстрировать все имевшиеся на тот момент достижения архитектуры и технического прогресса. 

Для работы над Barbican привлекли британских и финских архитекторов: результатом стал проект «города-сада» — лаконичных жилых домов из железобетона, что само по себе уже было революционным решением: не одно столетие главным строительным материалом в британской столице являлся красный кирпич, теперь же он вытеснялся бетонными блоками, которые к тому же заливались непосредственно на стройплощадках. Проект жилых домов не предусматривал никаких украшений, всё было подчинено простым формам и функциональности.

Колоннада Barbican | Источник фото

Barbican, London | Источник фото

Barbican, 43-этажная башня Shakespeare Tower – самое высокое жилое здание Лондона (123 метра) | Источник фото

Чтобы у будущих жильцов не возникало ощущение обитания в каменных джунглях, в районе были предусмотрены сады (не только во дворах, но и на крышах зданий), а в центре квартала предлагалось пространство с каналами, водопадами и главной деталью – остатками стены времен римской оккупации (когда-то здесь располагался римский форпост – название Barbican, то есть «сторожевая башня», появилось именно оттуда). В целях снижения уровня шума в окрестностях Barbican под землю убрали линии железной дороги и метрополитена, а рельсы подложили специальными прокладками с шумопоглощающим эффектом. 

Внутренняя территория Barbican представляет собой сад, водоём и прогулочные зоны | Источник фото

Комплекс возводился в период с 1965 по 1976 гг. После окончания строительства Barbican включал в себя две тысячи квартир для более чем четырех тысяч жителей. Именно здесь впервые в Великобритании появились так хорошо знакомые нам типовые малогабаритные квартиры. Чуть позже внутри квартала был построен Barbican Centre – культурный центр с публичной библиотекой, арт-пространствами, музеем, театром и драматической школой. Брутальная архитектура как таковая давно вышла из моды, став своего рода утопией, но район продолжает оставаться важной точкой на карте Лондона, где до сих пор проходят многочисленные выставки, театральные премьеры и концерты. 

Бело здание слева – Barbican Centre | Источник фото


The Chelsea Drugstore 

Когда строительство Barbican шло полным ходом, чуть западнее от него, в престижном районе Челси, на пересечении King’s Road и Royal Avenue, в 1968 году открылся магазин с названием, на первый взгляд, не имевшим никакого модного подтекста, но тут же ставшим местом притяжения аудитории того самого «Свингующего Лондона», – речь идет о Chelsea Drugstore. 
 
Концепция-прообраз будущих модных торговых центров не британская задумка, а заимствование у парижского Le Drugstore на бульваре Сен-Жермен, зато общемировой известности добилась именно британская версия: под вывеской аптеки на трех этажах располагались продуктовые магазины, бары, лавки со свежей прессой, бутики одежды и, как ни странно, аптека. 

Посетителей в Chelsea Drugstore притягивали не только формат торгового центра или удобное расположение, но и новаторский внешний вид: архитектору Энтони Клоугли и дизайнеру Колину Голдингу, трудившимся над проектом, удалось создать здание из стекла и бетона с овальными входами и круглыми окнами-иллюминаторами. Вызывающее трехэтажное здание настолько выделялось среди классических построек старого Лондона, что пройти мимо было попросту невозможно. 

Chelsea Drugstore в 1968 году | Источник фото
  
Многим из современников аутентичного Chelsea Drugstore запомнился не только новый формат торговли, но и продуманная система обслуживания: посетителей встречали девушки в кошачьих костюмах пурпурного цвета, они же работали в службе доставки. Примечательно, что покупки лондонцам юные леди доставляли на мотоциклах в таких же ярких нарядах. К услугам тех, кто предпочитал посетить магазин самостоятельно, были удобные рабочие часы: семь дней в неделю, по шестнадцать часов в сутки.

Частыми гостями необыкновенной аптеки была и творческая богема: Chelsea Drugstore воспета The Rolling Stones в песне Can’t Always Get What You Want; Мика и Кита часто видели прогуливающимися от одного бутика к другому или в местном баре, а на киноэкране магазин можно увидеть в «Заводном апельсине» Стэнли Кубрика. 

Эпизод из фильма Clockwork Orange (1971), снятый в Chelsea Drugstore | Источник фото

Открытый в необыкновенно удачное время, Chelsea Drugstore успешно проработал все 70-е и большую часть 80-х, а затем его сменил винный бар. Сегодня посетителей здания на углу King’s Road и Royal Avenue встречают уже не одетые в пурпурное девушки, а клоун-символ известной сети ресторанов быстрого питания, – как и многие вещи, сделавшие Англию знаменитой в Шестидесятые, магазин перестал быть актуальным, но надолго вошел в историю моды и стиля. 

Chelsea Drugstore в середине 70-х | Источник фото
 
 

Другие знаковые лондонские здания эпохи брутализма

Треллик-тауэр (Trellick Tower) – 31-этажный жилой дом, спроектированный венгерским архитектором Эрне Голдфингером в середине 60-х. Это культовое здание фигурирует в многочисленных литературных, музыкальных и кино-произведениях. В частности, здесь снимался клип Little 15 группы Depeche Mode | Источник фото

Trellick Tower, годы строительства 1966 - 1972 | Источник фото

Галерея Хейворд (The Hayward Gallery) — всемирно известная художественная галерея, открытая в Лондоне в 1968 году | Источник фото


The Hayward Gallery, 1968 | Источник фото

Лондон, жилой комплекс Middlesex Street Estate, годы строительства 1965-1970 | Источник фото


Часть жилого комплекса Черч-стрит (Church Street Estate) в фешенебельном районе Мэрилебон северо-западной части Лондона. Построен в 1968 году | Источник фото

Лаборатория ядерной физики Оксфордского университета. Построена в 1967-1970 | Источник фото


Социальное жильё в Темсмид — районе юго-восточной части британской столицы. Построено в середине 60-х на болотистой местности южного берега Темзы, в целях разгрузки перенаселенных районов Внутреннего Лондона | Источник фото


Жилой дом Ashington House в богемном лондонском районе Бетнал Грин | Источник фото

Жилой дом Lambeth на улице Кеннингтон-роуд в центральном лондонском квартале Ламбет, где элитарная культура органично сочетается с культурой пабов. Построен в 1968 году | Источник фото

Жилой дом с социальными квартирами Wyndham Court в городе Саутгемптон, Англия. Здесь также располагаются кафе, рестораны и многочисленные магазины. Годы строительства —1966-69 | Источник фото

 

Промышленный дизайн

Начавшийся в пятидесятых в США индустриальный подъем добрался до Британских островов довольно быстро: уже в начале 60-х новые технологии в быту так или иначе вошли в жизнь большинства жителей Соединенного Королевства. Многие из появившихся тогда предметов повседневного спроса были хорошо знакомы британцам и раньше, — их уникальность заключалась в абсолютно новом облике, полностью отвечавшим требованиям времени. Начало космической эры и последовавший за ним бум фантастической литературы быстро задали нужные тренды: вслед за предметами интерьера вся новая техника, от телевизоров и магнитофонов до электробритв и автомобилей, приобрела плавные футуристические формы.

The Eyeball — популярная в Британии второй половины 60-х модель телевизора Panasonic | Источник фото

Фотоаппарата Kodak от известного английского дизайнера Кеннета Джорджа, 1964 | Источник фото

«Космические» тренды имели наибольшее применение в области бытовой техники: многие из созданных в этом стиле предметов быта сегодня украшают полки музеев современного искусства. В их числе – настенные и настольные круглые часы авторства Джоржда Нельсона, скандинавские лампы-бра и, конечно, транзисторы: шестидесятые стали эпохой информации, которую ещё не успело занять телевидение, поэтому изготовленные из новомодной пластмассы ярких оттенков портативные радиоприемники пользовались особенным спросом, а многочисленные производители, среди которых были как гиганты, вроде Philips или Sony, так и забытые сегодня небольшие компании, старались не отставать друг от друга и выпускали всё новые и новые модели приемников.

Настенные часы популярного в Британии американского дизайнера Джорджа Нельсона, выпущенные в начале 60-х | Источник фото


Транзисторы британской компании Bush стали символом дизайна 60-х

Популярный катушечный магнитофон известной швейцарской компании Revox (модель A77), выпущенный в 1967-м. В том же году группа Битлз использовала оборудование этой фирмы для записи альбома «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band» | Источник фото

Интересно, что одна из визитных карточек промдизайна Британии Шестидесятых, чей вклад в создание неповторимого облика британских городов того времени трудно переоценить, не является местной разработкой. По крайней мере, когда бывший авиационный инженер Коррадино де Асканио задался целью создать недорогой мотороллер, он вряд ли рассчитывал, что результат его работы, получивший название Vespa, завоюет миллионы поклонников далеко за пределами его родной Италии и станет символом британских молодежных субкультур. Помимо низкой стоимости, в Шестидесятые Vespa привлекала английских субкультурщиков не только легкостью в управлении и эксплуатации, но и дизайном, в котором изящество форм сочеталось с их простотой. 


Vespa GS160 MK1 производства 1962 года | Источник фото

Vespa, лицензионное производство которой вскоре открылось в Великобритании, всё же оставалась итальянской, а придумать один из главных мировых автомобильных символов Шестидесятых было суждено дизайнеру British Motor Corporation британцу Алеку Иссигонису: в 1956-м он возглавил группу по созданию бюджетного автомобиля-малолитражки. Задача казалась сложной: несмотря на маленький салон, внутри должны были свободно размещаться водитель, три пассажира и багаж. 

Продажи нового авто, получившего названия Austin Seven и Morris Mini Motor, стартовали в августе 1959 года, и уже скоро объемы производства возросли до трех тысяч экземпляров в неделю. Всемирную славу Mini принесла его спортивная версия, созданная в 1961 году совместно с гоночной командой Cooper. Интересно, что Алек Иссигонис сначала отказывался от работы с Cooper, настаивая на том, что Mini – автомобиль для скромных обывателей. Mini Cooper оказался в эпицентре поп-культуры и стал воплощением британского автомобилестроения, продержавшись на конвейере 42 года: последний Mini в каноническом кузове был выпущен в 2000-м. 

Раллийная 1963 Mini Cooper S | Источник фото
 
Другой знаковый автомобиль Шестидесятых мог никогда не увидеть свет, если бы голландский партнер компании Volkswagen Бен Пон случайно не обратил внимание на изготовленную рабочими завода в Вольфсбурге самодельную автоплатформу на базе «Жука». Оценив коммерческий потенциал будущей модели, Пон настоял на создании недорогого микроавтобуса, который стал первым в линейке немецкого бренда и получил название Transporter. Первый экземпляр появился в 1949 году, серийное производство началось через полгода. Мировая популярность настигла Transporter десятилетием позже, что напрямую связано с началом эпохи хиппи: дети-цветы использовали простой и недорогой автомобиль для путешествий, поэтому узнаваемую кабину с двумя круглыми фарами можно было встретить и на Вудстоке, и в полях центральных графств Англии. Но ещё шире была география производства Transporter: по лицензии их изготавливали не только в Германии, но и в Бразилии, Аргентине и Мексике, Польше и Южной Африке. 

Культовый Transporter Volkswagen в модификации T1: Samba BUS, выпускавшейся до середины 60-х | Источник фото
 
 
       

Графический дизайн

Эпоха нового кино, новой музыки и новых впечатлений была бы неполной без художников. Так уж получилось, что главные герои британского графического дизайна оставались в тени тех, кого они рисовали, но свои звезды, безусловно, имелись и здесь. Один из таких героев — лондонский художник Алан Олдридж. В начале Шестидесятых он работал иллюстратором в издательстве Penguin Books, а в 1965 году талант Олдриджа покорил мир поп-культуры: на его счету совместные работы с The Who (обложка альбома A Quick One), Энди Уорхолом и Полом Моррисси (афиша фильма Chelsea Girls) и The Beatles (иллюстрации к вышедшей в 1969 году книге с текстами песен группы). Но главное – Алан Олдридж придумал, как нарисовать целую эпоху: многие психоделические рисунки и шрифты, ассоциирующиеся с Шестидесятыми и сегодня, сделал именно он.

Обложка альбома The Who «Quick one while he's away», выпущенного в 1966 году | Источник фото

Иллюстрация Алана Олдриджа к его двухтомнику «The Beatles Ilustrated Lyrics», изданному в 1969 году | Источник фото

Комиксовый рекламный поп-арт плакат знаменитого лондонского магазина одежды Lord Kitchener’s Valet, 1969 год | Источник фото

Карьера других ярких представителей эпохи – арт-группы Биндера, Эдвардса и Вона – начиналась с граффити на стенах лондонских домов. Психоделические рисунки с очевидным влиянием ар-нуво привлекли внимание столичной богемы, в том числе Джона Леннона и Пола Маккартни. Вероятно, самой известной работой выпускников Брэдфордского арт-колледжа стало разрисованное пианино для Пола. Однако на этом сотрудничество художников с The Beatles не закончилось: с ними связана одна из самых таинственных записей ливерпульской четверки. В период работы над синглом Penny Lane один из участников Binder, Edwards and Vaughan попросил Пола Маккартни написать музыку для двух мероприятий, проводимых арт-группой в лондонском зале Roundhouse. Результатом стала 30-минутная инструментальная композиция, записанная путем наложения на звуковую дорожку разных эффектов. Долгие годы это музыкальное произведение не имело названия и не появлялось в официальных релизах, выйдя свет только в 1988-м под именем Carnival of Light. 

Граффити над фасадом знаменитого бутика Lord John на лондонской Carnaby Street, нарисованное в 1967 году группой Binder, Edwards & Vaughan | Источник фото 

Пианино Пола Маккартни в исполнении дизайнерского бюро Binder, Edwards & Vaughan, 1967 | Источник фото

Декорированный фирмой Binder, Edwards & Vaughan Бьюик на обложке альбома группы The Kinks «Sunny Aftenoon», 1966 | Источник фото

Графика известного лондонского художника Альберта Литтла на стене бутика Hung On You на улице Kings Road, 1966 | Источник фото

Выполненная в духе своего времени британским иллюстратором Geoffrey Dickinson обложка апрельского номера журнала Time 1966 года, положившая начало термину «Свингующий Лондон» | Источник фото

Еще одним абсолютно знаковым для Британии 60-х дизайнерским бюро, прославившимся на ниве психоделической графики, было партнерство Hapshash and the Coloured Coat, созданное в Лондоне художниками Майклом Инглишем и Нигелем Веймутом – основателем легендарного бутика Granny Takes a Trip. Они познакомились в 1966 году во время работы над оформлением широко известного в узких кругах андеграундного лондонского клуба UFO (Underground Freaking Out). «Это составное название было вдохновлено египетской царицей Хатшепсут и разноцветной одежной библейского Иосифа с добавлением унции гашиша» – вспоминает историю создания Hapshash and the Coloured Coat Нигель Веймут.

На счету этого яркого дуэта – множество культовых работ, сегодня являющихся частью экспозиции знаменитого лондонского Музея Виктории и Альберта, посвященной Свингующей эпохе, – клубных афиш, концертных плакатов, рекламных постеров и граффити для бутиков на Carnaby Street и Kings Road. «Их единственным вдохновением было LSD» – пишет о них в своих воспоминаниях главный редактор андеграудного музыкального журнала «OZ» Ричард Невилл. Глядя на удивительные произведения Инглиша-Веймута, сомнений в этом не возникает. 

Американская актриса Джин Харлоу на фасаде знаменитого лондонского бутика Granny Takes a Trip, 1968. Художник — Майкл Инглиш | Источник фото

Работа Hapshash and the Coloured Coat 1967 года — психоделическая афиша совместного концерта английской фолк-певицы Ширли Коллинз и британской группы The Incredible String Band, считающейся родоначальницей эйсид-фолка | Источник фото

Афиша вечеринки The Move в легендарном лондонском клубе Marquee — дизайн Hapshash and the Coloured Coat, 1967 | Источник фото

Подборка постеров и афиш Hapshash and the Coloured Coat разных лет. Слева направо: Концерт Джули Феликс в Альберт-холле (1968); Альбом The Soft Machine «Turns On» (1969), Концерт группы The 5th Dimension в Лестере (1967); Социальный плакат Save Earth Now (1967), Обложка сингла группы Tomorrow «My White Bicycles» (1967), Плакат группы Crazy World of Arthur Brown (1967) | Источник фото

Слева направо — художники Michael English, Nigel Waymouth и музыкальный продюсер Guy Stevens в своей лондонской мастерской рядом с живописным Холланд Парк. Hapshash and the Coloured Coat — это не только дизайн-бюро, но и музыкальная группа в жанре психоделический рок, просуществовавшая несколько лет в конце 60-х | Источник фото
  
Помимо психоделических картин, символом Свингующей Британии, как и всей субкультуры модов, был знаменитый Roundel или Mod Target – изображение мишени в цветах британского Union Jack. «Таргету» приписывали самое разное происхождение, пока не выяснилось, что это – заимствованная эмблема французских ВВС времен Первой мировой войны с измененными цветами, впервые примененная в качестве принта английским авангардным художником Джаспером Джонсом в начале Шестидесятых годов. 

Swinging Sixties Mod Culture Inspired Poster | Источник фото

Афиша The Who | Источник фото

Swinging Sixties Mod Culture Inspired Posters | Источник фото

Аутентичные музыкальный афиши 60-х на посвященной мод культуре исторической выставке «Reading Steady Go!» в музее английского города Рединг | Источник фото

Аутентичные музыкальный афиши 60-х на посвященной мод культуре исторической выставке «Reading Steady Go!» в музее английского города Рединг | Источник фото


 Евгений Лесняк  
     
       


Posted By Merc Russia on 18 Апр 2017